Foto: Pedro Ivo Trasferetti

Entrevista a Alejandro Cesarco, destacado artista visual uruguayo que fue seleccionado para la Bienal de San Pablo, que acaba de inaugurarse

“Todo artista se constituye a través de otros artistas”

9min
Nº1986 - al de Septiembre de 2018
Entrevista: Verónica Parrado

Alejandro Cesarco (Montevideo, 1975) estudió Economía en la Universidad Católica y continuó su formación con un máster en Arte en Nueva York. Allí reside desde hace varios años. Ha tenido exposiciones importantes en el MoMA de Nueva York y la Tate de Londres. Si bien es poco conocido en nuestro país —cosa que le “encantaría” fuera diferente— ha trabajado asuntos muy propios. Por ejemplo, su envío a la Bienal de Venecia en 2011 fue un video titulado Metodología, donde una pareja discute enteramente basándose en comentarios derivados de Los adioses, la novela de Juan Carlos Onetti. En realidad, gran parte de su obra está influida por la literatura y la teoría literaria. La construcción de narrativas y las prácticas de lectura y traducción, el tiempo y la memoria también son temas centrales en su trabajo.

Cesarco fue tapa de la prestigiosa revista Art Review en diciembre de 2012.
Cesarco fue tapa de la prestigiosa revista Art Review en diciembre de 2012.

Ahora es uno de los siete artistas seleccionados por el curador de la 33ª Bienal de San Pablo, el español Gabriel Pérez-Barreiro. En la muestra, que acaba de inaugurarse, se propuso trabajar un nuevo sistema de proyectos: el artista también ejerce de curador. Además de su obra, Cesarco eligió la de 12 artistas para su proyecto.

También es director de la organización sin fines de lucro Art Resources Transfer. En pleno armado de la muestra, Cesarco se hizo un tiempo para responder a galería sobre la naturaleza de su obra, su proyecto para la bienal, el coleccionismo y la situación de las artes visuales en Uruguay.

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La obra Index (A reading), de 2007-2008, compuesta por 10 paneles, se expuso en la galería de arte contemporáneo Artpace en San Antonio, Texas, en 2010
La obra Index (A reading), de 2007-2008, compuesta por 10 paneles, se expuso en la galería de arte contemporáneo Artpace en San Antonio, Texas, en 2010

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¿Los ejes de su trabajo siempre tienen que ver con la narrativa, la literatura y la relación entre imagen, lenguaje y significado? Sí, claramente, la narrativa es un eje central en mi trabajo. A través de la narración es que hacemos inteligible nuestra experiencia y es también una de las formas fundamentales a partir de las cuales se estructura el orden social. Creo que de ahí deviene mi fascinación por la narrativa. Es decir, ¿cuáles son las consecuencias, por ejemplo, ideológicas o emocionales, de las historias que contamos o repetimos? ¿Cuáles son esas historias y de qué forma las contamos, o nos las contamos?

En cuanto a esa relación a la que hace alusión, entre imagen lenguaje y significado, no me parece que sea solo una característica de mi trabajo sino una condición propia del campo del arte.

Ya ha sido curador antes. ¿Es un desafío cada vez o lo siente ya como parte de su práctica? Es un desafío y es parte de mi práctica.

¿Cómo eligió el tema para esta Bienal de San Pablo? La invitación era muy precisa: contextualizar mi obra a partir de la de otros artistas. Ya en el 2006 habíamos curado junto a Gabriel Pérez-Barreiro, curador general de la BSP33, un proyecto para la Bienal del Mercosur en Porto Alegre que utilizaba una metodología similar: delegar la responsabilidad curatorial a artistas e invitarlos a que contextualicen su propia obra con el trabajo de otros.

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Musings (2013) es cortometraje de 16 mm  transferida  a  video  digital que cuenta historias inspiradas por S. Sontag, I. Bergman, M. Blanchot, A. Varda, G. Stein, I. Calvino y J. Cortázar. Foto: Cortesía del  artista y galería Tanya Leighton.
Musings (2013) es cortometraje de 16 mm transferida a video digital que cuenta historias inspiradas por S. Sontag, I. Bergman, M. Blanchot, A. Varda, G. Stein, I. Calvino y J. Cortázar. Foto: Cortesía del artista y galería Tanya Leighton.

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¿Cuál es el significado o sentido del título de su proyecto Aos nossos país (A nuestros padres)? Creo que el título se explica en función de lo anterior: el ejercicio era crear una suerte de genealogía adoptada. Todo artista se constituye a través de otros artistas, nos definimos en relación con otros. La exhibición de cierta forma cita algunas de mis influencias.
A la vez, y sintetizando mucho, la exhibición que propongo examina y cuestiona la repetición como táctica metodológica. Lo que pretende es desafiar conceptos tales como la ontología y autonomía del arte, el estatus canónico de ciertas obras, la autoría, entre otras cosas.

¿Sintió un grado de conflicto entre ser artista y curador en este proyecto? En realidad, no me planteo asumir roles o responsabilidades curatoriales. Lo que propongo lo hago desde el lugar de un artista. Estoy organizando una exhibición, no curándola. No sé bien cuál es la diferencia, pero estimo que sí la hay. Al momento de conceptualizar la muestra —mi relación con mi propia obra, la relación con la institución y la ciudad donde ocurre, el tipo de preguntas que pretende señalar, los lenguajes y modelos expositivos a usar— lo hago como un proyecto artístico y no curatorial.

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Studies for a Series  on  Love  (Wendy’s  Hands), de 2015 (arriba). The Inner Shadow (2016), película de seis minutos con Ana Katz y Daniel Hendler, filmada en 8 mm y transferida a video digital (abajo).
Studies for a Series on Love (Wendy’s Hands), de 2015 (arriba). The Inner Shadow (2016), película de seis minutos con Ana Katz y Daniel Hendler, filmada en 8 mm y transferida a video digital (abajo).

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¿Difiere mucho el proceso creativo del proyecto en donde tiene dos roles, el de artista y el de curador? Toda exhibición es una oportunidad o instancia de comunicación; de llamar la atención a ciertos problemas o preguntas. La particularidad, y desafío, de la Bienal de San Pablo es su escala y la diversidad de públicos a la que se dirige.

¿Cree que los curadores han tomado un rol demasiado protagonista? Me parece una pregunta enorme. No sé cuáles son los limites o cómo se definiría la curaduría hoy en día. Hay muchas formas de ser curador, al igual que hay muchas formas de ser artista.

¿Se fue de Uruguay porque creía que había más posibilidades de desarrollarse profesionalmente? Me fui de Uruguay de muy joven, con una beca de estudio, a “ampliar mis horizontes”, no a hacer carrera. En el momento en que me fui ni siquiera sabía cuáles eran las opciones posibles.

¿Por qué cree que el coleccionismo se ha desarrollado poco en Uruguay? ¿Puede explicarse solamente por las características económicas del país? Esa es otra pregunta gigante. Me parece que las características económicas y la escala del país son solo razones parciales. Que no exista prácticamente coleccionismo de arte contemporáneo en Uruguay es un problema estructural y cultural antes que económico.

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Vanitas (From  Remorse  to  Regret), de 2017. Cuatro impresiones inkjet de  74 x 116 cm (arriba). Exposición de Alejandro Cesarco en la 33ª Bienal de San Pablo (abajo).
Vanitas (From Remorse to Regret), de 2017. Cuatro impresiones inkjet de 74 x 116 cm (arriba). Exposición de Alejandro Cesarco en la 33ª Bienal de San Pablo (abajo).

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¿Cree que hay suficientes políticas públicas para impulsar el desarrollo de las artes visuales en Uruguay? El desarrollo de las artes depende del fomento de un sistema amplio que incluye principalmente educación, discurso crítico, mercado, e instituciones. Juzgar si las políticas públicas son suficientes es una forma de definir cuál es la función social del arte: qué es arte, quién tiene acceso, cuál es su consecuencia.

Su obra ha sido exhibida en museos como el el MoMA de Nueva York o la Tate en Londres, y la importancia de su trabajo y su trayectoria parecen estar sustentadas fuera de Uruguay. ¿Le gustaría estar más conectado con el país? Sí, me encantaría. Mi última, y única, muestra individual en Uruguay fue curada por Patricia Bentancur en la Colección Engelman-Ost hace 17 años.

¿Cree que su obra requiere de un espectador con un ojo entrenado? El arte, como cualquier otra actividad, requiere de cierto alfabetismo, ciertos protocolos de lectura, que facilitan su decodificación y realzan su disfrute. De todas formas, no todo el mundo entiende lo mismo, y está bien que así sea. Pero si lo que me está preguntando es si pienso que mi obra es difícil, la respuesta es no.

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La Bienal afectiva

La Bienal de San Pablo, cuyo título en esta edición es Afiliaciones affectivas, se inauguró el viernes 7 de setiembre y se extenderá hasta el 9 de diciembre. El título fue elegido por el curador Gabriel Pérez-Barreiro, quien fue designado por la Fundación Bienal de San Pablo. El programa se basa en los vínculos artísticos y culturales y las afinidades entre los artistas participantes. Propone una investigación sobre las formas en que el arte crea un entorno de relaciones y comunicación, que comienza con el artista y se mueve a través del objeto hacia el espectador.

Para esta próxima edición el curador ha propuesto un cambio en el sistema operativo de la bienal, ya que además de los doce proyectos individuales están los de los siete artistas-curadores. Además de la propuesta curatorial de Alejandro Cesarco cabe destacar la de Waltercio Caldas, destacado artista brasileño que estuvo este año en Este Arte en Punta del Este.

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